Gianni Amelio è uno di quei cineasti che è riuscito a vedere più avanti di molti suoi colleghi. Nel 1994 fu infatti il primo ad analizzare l'immigrazione in Italia come un complesso fenomeno etnico, culturale e politico. Il risultato di questa profezia fu quell'intenso dramma visionario chiamato Lamerica (1994). All'inizio degli anni Ottanta fu tra i pochi a comprendere che il terrorismo portava come conseguenza nefasta conflitti all'interno della famiglia, tra padri e figli (Colpire al cuore, 1982). Ed è sempre stato tra i primi a riflettere su quello strano paese chiamato Cina, ricco ed invadente e al contempo contradditorio a livello sociale perché ancora diviso tra ricchissimi e poverissimi (La stella che non c'è, 2006). Fondamentale è però anche comprendere l'entità dello sguardo di Amelio nei confronti di ciò che riprende, che è innocente, come scriveva Maurizio Grande, perché riparte da zero, «rianimato dalle "cose" e dalle immagini primarie che si formano in una visione che domanda perché dona; una visione non infarcita di riproduzioni e di stereotipi della registrazione automatica. Innocenza dello sguardo non-innocente, ovvero stile e morale di un diverso vedere, e di un diverso far-vedere (non solo "mostrare") allo spettatore. […] Credo che Amelio abbia cercato lungo tutta la sua opera questa immediatezza che diventava stile, questa morale della forma che era energia del cinema. Innocenza non-innocente: una innocenza che metteva in questione la sua difficoltà a esserlo, perfino la sua impossibilità. Di qui nasce lo stile dell'anti-spettacolo, e perfino uno sguardo che può sembrare al servizio della realtà, mentre è la realtà che suggerisce allo sguardo il suo stile». Non è un caso che Il ladro di bambini si apra proprio sullo «sguardo non-innocente di un bambino forse innocente» (sempre Grande), che è anche la chiave per comprendere che tipo di sguardo il cinema può adottare oggi. Mentre gli occhi del giudice di Porte aperte (1990) sono rivolti sul niente, leggermente al di sotto dello sguardo degli altri, incluso quello della macchina da presa, per suggerire la consapevolezza non-innocente di chi ha creduto d'essere innocente. Ma il cinema di Amelio è anche una mappa di frontiere fra passato e presente generazionali: c'è un fil rouge nella filmografia del regista, e cioè lo scontro-incontro tra giovani e adulti e il viaggio come metafora se non proprio di crescita, di mutamento interiore. «Io ho raccontato di figli che non erano figli ma era come se lo fossero, o di figli che erano figli, ma qualcuno non li riconosceva. […] La famiglia "giusta" è quella inventata, trovata strada facendo, i cui componenti si sono scelti, e allargata a nipoti e parenti vari che non sono considerati per i loro ruoli. […] Nei miei film, i padri reali sono padri che a volte ti abbandonano, anche quando sono presenti» (Amelio).

 

sabato 24

ore 17.00

Off Roma (1972)

Regia: Gianni Amelio; interprete: Giuseppe Lorin; origine: Italia; produzione: Arsenal Cinematografica; durata: 11'

Documentario sull'attività della compagnia Teatro Lavoro di Valentino Orfeo nel quartiere Testaccio a Roma.

 

a seguire

Colpire al cuore (1982)

Regia: Gianni Amelio; soggetto e sceneggiatura: G. Amelio, Vincenzo Cerami; fotografia: Antonio Nardi; scenografia: Marco Dentici; costumi: Lina Nerli Taviani; musica: Franco Piersanti; montaggio: Anna Napoli; interpreti: Jean-Louis Trintignant, Fausto Rossi, Laura Morante, Sonia Gessner, Laura Nucci, Vanni Corbellini; origine: Italia; produzione: Antea Cinematografica, Rai; durata: 109'

«Gianni Amelio riprende la questione padri-figli al centro de La tragedia di un uomo ridicolo per declinarla nell'incomunicabilità tra un ex partigiano (Jean-Louis Trintignant), professore all'università di Milano con frequentazioni nell'ambiente della lotta armata, e il figlio quindicenne, un giovane anagraficamente già fuori dalla generazione dei terroristi, ma che a questa è costretto a rapportarsi per tentare di comprendere il padre e la realtà plumbea che lo circonda» (Uva). «Io vorrei che lo spettatore si ponesse degli interrogativi su ambedue le figure, probabilmente più su quella del figlio che su quella del padre. Il mio approccio al film nasce appunto dall'essermi posto, alternativamente, di fronte a tutti e due. Ho cercato di mettermi nei panni del figlio per capire il padre e, viceversa, in quelli del padre per capire il figlio. Il padre coglie le reazioni del figlio, in maniera fin troppo lucida, razionale; mentre il figlio non capisce affatto il comportamento del padre. Il ragazzo ha quindici anni e, paradossalmente, ha più certezze del padre, o, almeno, gli sembra averle» (Amelio).

 

ore 19.15

I ragazzi di via Panisperna (1989)

Regia: Gianni Amelio; soggetto: G. Amelio, Vincenzo Cerami; sceneggiatura: G. Amelio, Alessandro Sermoneta; fotografia: Tonino Nardi; scenografia: Franco Velchi; costumi: Lina Nerli Taviani; musica: Riz Ortolani; montaggio: Roberto Perpignani; interpreti: Andrea Prodan, Ennio Fantastichini, Michele Melega, Giovanni Romani, Alberto Gimignani, Giorgio Dal Piaz; origine: Italia/Germania; produzione: Urania Film, Rai, Betafilm; durata: 125'

«Volutamente "infedele" sul piano della verità psicologica ma scientificamente obbediente al rapporto di causa ed effetto (la prima reazione nucleare dell'atomo fu il primo capitolo della storia della bomba atomica) il regista Amelio racconta in I ragazzi di via Panisperna, dalla strada dove sorgeva, negli anni '30, l'Istituto romano di Fisica, le giornate molto particolari vissute nel '34 da un gruppo di studenti e dal loro professore. Più sentimentale che brechtiano, anche se i rimandi vanno proprio a un certo attualissimo teatro che si chiama Vita di Galilei, I fisici o Il caso Oppenheimer, il film di Amelio racconta gli scherzi, le ripicche, le avventure e i sentimenti di questi "ragazzi" che fecero il primo passo di una scoperta che avrebbe cambiato segno alla morale del mondo» (Porro). «Il film nasce in modo abbastanza composito, cioè sono due film, che cercano di camminare insieme, di diventare tutt'uno. Forse il primo livello, quello della storia ufficiale, è quello più sacrificato, l'ho un po' liquidato con il primo episodio proprio perché non sapevo affrontarlo, è proprio un mio difetto, o forse perché non mi interessava affrontare la vicenda da quell'aspetto pubblico, e l'ufficialità l'ho addirittura caratterizzata» (Amelio).

 

ore 21.30

Porte aperte (1990)

Regia: Gianni Amelio; soggetto: dal libro omonimo di Leonardo Sciascia; sceneggiatura: Gianni Amelio, Vincenzo Cerami, con la collaborazione di Alessandro Sermoneta; fotografia: Tonino Nardi; scenografia: Franco Velchi, Amedeo Fago; costumi: Gianna Gissi; musica: Franco Piersanti; montaggio: Simona Paggi; interpreti: Gian Maria Volonté, Ennio Fantastichini, Renato Carpentieri, Renzo Giovampietro, Tuccio Musumeci, Silverio Blasi; origine: Italia; produzione: Erre Produzioni, Istituto Luce, Urania Film, in collaborazione con Rai; durata: 112'

«L'inizio è folgorante. Tre delitti in sequenza, messi in scena con pudore eppure carichi di violenza come nella miglior lezione della "freddezza" hitchcokiana. Due delitti in cui il gesto omicida è coperto dal corpo dell'assassino, quindi uno stupro in campo lunghissimo. Amelio non mostra i cadaveri, non indugia sui corpi. Preferisce, appunto, "raffreddare". E concentrare poi la narrazione sulla violenza densa e compatta, ma - per così dire - impalpabile, che permea di sé i meccanismi inquisitori e i procedimenti giudiziari. Perché Porte aperte è una lettura dostoevskiana del tema del delitto e del castigo e, insieme, un amaro omaggio al coraggio della ragione, contro ogni conformismo etico e mentale. Se la sua civilissima perorazione contro la pena di morte ha la forza persuasiva di certi capolavori del passato (Furia di Fritz Lang, ad esempio), è poi soprattutto la razionalità pessimista con cui mette in scena la mostruosità dell'obbedienza e del consenso di massa che avvince e sconvolge» (Canova). «Il tema del film è in realtà anche questo: come si può essere fuorilegge all'interno di un sistema che invece la legge dovrebbe non solo applicarla ma viverla, come si scavalca la legge scritta per appellarsi a un tipo di morale che va al di là e al di sopra del codice. C'è un attacco al montaggio anche "ingenuo" in questo senso: Volonté che ha tra le mani il libro di Dostoevskij e a stacco il Presidente della giuria che porge ai giurati il codice penale. La giustizia vera sta in Dostoevskij forse e non nel codice penale che si deve far rispettare» (Amelio).

 

domenica 25

ore 17.00

Il ladro di bambini (1992)

Regia: Gianni Amelio; soggetto e sceneggiatura: G. Amelio, Sandro Petraglia, Stefano Rulli; fotografia: Tonino Nardi, Renato Tafuri; scenografia: Andrea Crisanti; costumi: Gianna Gissi, Luciano Morosetti; musica: Franco Piersanti; montaggio: Simona Paggi; interpreti: Enrico Lo Verso, Valentina Scalici, Giuseppe Ieracitano, Renato Carpentieri, Florence Darel, Marina Golovine; origine: Italia-Francia; produzione: Erre Produzioni, Arena Films, in collaborazione con Vega Film, Rai; durata: 115'

Un giovane carabiniere viene incaricato di accompagnare l'undicenne Rosetta, costretta dalla madre a prostituirsi, e il fratellino Luciano in un orfanotrofio di Civitavecchia, che però rifiuta di accoglierli. Il loro viaggio prosegue fino in Sicilia, facendo tappa a casa del carabiniere. «C'è un modo per controllare l'eccellenza di un autore. Bada a come chiude la narrazione. Ci possono essere, in precedenza, zone opache o limpide. Sottolineale, ma va oltre. È nel finale che le virtù di un regista rifulgono o si smarriscono. La sequenza conclusiva di Il ladro di bambini è quanto di più persuasivo si sia incontrato, da diversi anni al cinema; e non soltanto nell'italiano» (Bolzoni). «L'ultima scena rimanda forse al finale di L'avventura di Antonioni. Non solo figurativamente, perché anche quel film finisce con i due protagonisti seduti con uno che accarezza l'altro, ma nel senso che come nell'Avventura anche nel mio film quello è un gesto di riconciliazione» (Amelio). Gran Premio della Giuria al Festival di Cannes 1992.

 

ore 19.00

Lamerica (1994)

Regia: Gianni Amelio; soggetto e sceneggiatura: G. Amelio, Andrea Porporati, Alessandro Sermoneta; fotografia: Luca Bigazzi; scenografia: Giuseppe M. Gaudino; costumi: Liliana Sotira, Claudia Tenaglia; musica: Franco Piersanti; montaggio: Simona Paggi; interpreti: Enrico Lo Verso, Carmelo Di Mazzarelli, Michele Placido, Piro Milkani, Elida Janushi, Sefer Pema; origine: Italia/Francia; produzione: Cecchi Gori Group Tiger, Arena Films, in collaborazione con Vega Film, Rai; durata: 128'

«Per due ore galleggiamo in un mondo da day after, avanziamo tra pioggia, fango e cemento, sgomitiamo tra masse di sopravvissuti che debordano dallo schermo. Le straordinarie luci spente di Luca Bigazzi non danno scampo, il formato ci costringe a un'ampiezza di visione che mai avremmo immaginato così dolorosa. Frammenti di dialogo ci indicano che siamo nel 1994. Ma sono dialoghi di una realtà deflagrata e scomposta: 1984 + 10, versione tricolore. Due faccendieri si precipitano come iene in Albania per spolparne la carcassa e fanno colazione in una fabbrica che sembra uscita da Schindler's List. Sono soddisfatti: hanno trovato il prestanome che cercavano per la loro fantomatica "Alba calzature". Sono soddisfatti, ma non hanno capito che il loro uomo è E. T. Non l'abbiamo capito subito nemmeno noi, ci è voluto del tempo per mettere insieme i pezzi.. Ma è proprio il disertore Spiro/Michela la chiave di volta del film di Amelio, capolavoro assoluto del cinema italiano postbellico» (Malanga). «Era parecchio tempo che volevo fare un film sull'emigrazione degli anni '40, un film su mio nonno e mio padre che sono emigrati in Argentina a distanza di quindici anni l'uno e l'altro. Insomma alla fine il film sull'Albania è diventato anche un film sull'Italia di quarant'anni fa. E gli emigranti albanesi, che sognano di vivere nell'Italia di oggi, rammentano un'altra emigrazione, quella nostra, storica, verso le Americhe» (Amelio).